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La Natura Morta come sogno in un mondo mitologico di Renato Miracco

5 marzo 2025

I ripetuti e terribili avvertimenti di probabile, possibile, auspicata, improbabile (e l’elenco potrebbe continuare) MORTE DELL’ARTE, che ci perseguita dall’inizio del XX secolo, hanno rivelato lo sgretolamento (per fortuna, secondo alcuni) di un universo culturale. E nell’individuare un unico modello ideale, l’approccio monoteistico perde il suo fondamento. Così, se da un lato sembra emergere il CAOS, dall’altro si aprono i Luoghi degli Dei e delle Dee, che ritornano a noi in una varietà di cosmo policromi e policentrici.
Imbevuti come siamo ancora dell’estetica ottocentesca – come riproducibilità del reale – noi, spettatori e beneficiari, dovremmo sentire il dovere, di volta in volta, di decifrare le modalità di comunicazione con cui ciascun artista ha scelto di veicolare. il proprio mondo interno e individuare il canone estetico della qualità artistica.
Parlando della nostra esposizione quotidiana di Durante dobbiamo considerare le origini di Damiano Durante.
In Italia, l’emergere della natura morta come genere a sé stante avvenne intorno al 1600, favorito anche dal nuovo gusto per il naturalismo: un’estetica che trovò la sua massima espressione nell’opera di Caravaggio e trovò molti seguaci.
La pittura italiana di nature morte si distingue da quella di altri paesi in molti modi, nonostante le idee e i motivi di fecondazione incrociata. Lo studio diretto della natura ha appreso esercizi cromatici su insetti, farfalle e fiori, statue, strumenti musicali, libri e oggetti preziosi.
Ma nella mostra di oggi dobbiamo notare un altro elemento: Mythos! Perché?
Dobbiamo comprendere innanzitutto che l’arte, come nel passato, è un prodotto della sua Società, seppure con modalità e codici diversi: questo conferisce alla parola “Società” un significato molto più reale e tangibile.
E quello che Durante descrive è il nostro desiderio quotidiano di sognare un mondo arcaico pieno di mitologia.
La Natura Morta, la sua Natura Morta, può quindi essere considerata un connubio tra RES e APPARIZIONE come amava definirla il Filosofo Adorno.
L’unione comporta una spiritualizzazione dell’opera d’arte in cui la sua mera materialità decade per puntare ad una comunicazione spirituale più elevata.
Il senso inglese di Still life è “Silent Life” mentre quello olandese (stillben) è “Posed Nature”: in entrambi i sensi c’è sempre il ricorso a una realtà che va oltre il dato contingente. In questo modo la Natura Morta può diventare una chiave che apre il mondo più privato, nascosto e silenzioso del pittore. È il diaframma tra realtà e realtà ascetica, tra mondo fisico e metafisico o se si preferisce oggi tra mondo metafisico e mitologico la mera materialità cade per puntare ad una comunicazione spirituale più elevata

Still Life as a Dream in a Mythological World by Renato Miracco

5 marzo 2025

The repeated dire warnings of the probable, possible, hoped-for, unlikely (and the list could go on) DEATH OF ART, which has hounded us since the beginning of the 20 th Century, have revealed the (luckily, some say) crumbling of a cultural universe. And in identifying a sole ideal model, the monotheistic approach loses its foundation. Thus, if on one hand CHAOS appears to emerge, on the other hand the Places of the Gods and Goddesses open, and they return to us in a variety of polychrome and polycentric cosmos.
Imbued as we sstill are with 19th century aesthetics – as a reproducibility of what is real – we, the viewere and the beneficiaries, should feel the duty, each and every time, to decipher the types of communication with hich each artist has chosen to convey his or her own internal world, and to identify the aesthetics canon of artistic quality.
Talking about our daily exhibition of Durante we jave consider where Damiano Durante came from.
In Italy, the emergence of Still Life as a genre in its own right occurred around 1600, fostered partly by the new taste for naturalism: an aesthetic which received its highest expression in the work of Caravaggio and is many followers.
Italian Still Life painting is distinguished from that of other countries in many ways, notwithstanding the cross – fertilization ideas and motifs. The direct study of nature learned color exercies included insects, butterflies and flowers, statues, musical instruments, book and precious objects.
But in today’s exhibition we have to notice another element: Mythos! Why?
We must understand, first and foremost, that art, as in the past, is a product of its Society, albeit with different modes and codes: this gives the word “Society” a much more real and tangible meaning.
And what Durante is depicting is our daily desire for a dream for an archaic world full of Mythology.
The Still Life, his Still Life, can therefore be considered a blend of RES and APPARITION as the Philosopher Adorno loved to call it.
The union involves a spiritualization of the artwork in which its mere materiality falls away in order to point toward a more elevated spiritual communication.
The English sense of Still life is “Silent Life” whilst the Dutch sense (stillben) is “Posed Nature”: in either sense, there is always a recourse to a reality which goes beyond the contingent data. In this way the Still Life can become a key that opens the most private, hidden and silent world of the painter. It is the diaphragm between reality and ascetic reality, between the physical and metaphysical worlds or if you prefer today between the metaphysical and mythological world mere materiality falls away in order to point toward a more elevated spiritual communication.

Beyond the frame

9 agosto 2018

Aniello D’Iorio/Translation from Italian by Cecilia Fiermonte

Usually, artists portray the drive, the love, the passion, the desire, the pain and other feelings that touch our lives. It is a type of egoism that, sometimes, draws in the viewers of their work, other times it misses, not inspiring feeling, nor even sparking interest. The lack of engagement of an exhibition visitor can be readily seen: he browses the works, seemingly beautiful or not, without establishing any discourse, not even with himself, not posing questions, not having, in this way, any appreciation for the artist’s effort to communicate.

With his work, Damiano Durante does something more in order to strike the visitor; it is largely didactic: he invites one to go beyond the narrow space of the canvas, openly stimulating reflection, his realistic technique expressing symbolic content that is an actual inspiration to the visitor. The fusion of symbols, in art, as in cinematography, the photograph and the painting, help the mind enter the physical reality of the representation, almost completing the artist’s work, in that way constructing a discourse within the environment of the painting.

The power of Durante’s painting, on closer examination, concretely touches the five senses: water comes alive and almost takes on consistency, a glass in fragments evokes the sound of shattering, the light in a candle expands beyond its own physical presence, the clinging bodies leads one to understand the feeling of an embrace, a half-empty bottle recalls hidden feelings.

Durante’s still-lifes are more than alive, the physical becomes eternal, the past links to the present, the future is a flower already blossomed. The looming darkness recalls the vulnerability of human existence, the need to search for a universal connection in which doubt and certainty can coexist, the light and dark, water and light, life beyond every form.

Oltre la cornice

9 agosto 2018

Di norma gli artisti raccontano le pulsioni, gli amori, le passioni, i desideri, i dolori e gli altri sentimenti che li segnano nella vita. È una sorta di egoismo che, talvolta, coinvolge i fruitori delle loro opere, altre volte scivola senza indurre emozioni o, almeno, intrigare. La mancanza di partecipazione del visitatore di una mostra si legge con immediatezza: egli scorre le opere, belle o brutte che possano sembrare, non instaurando alcun colloquio neppure con se stesso, non si pone domande, non avendo, in questo modo, alcun rispetto per lo sforzo di comunicazione dell’artista.

Damiano Durante con i suoi lavori fa qualcosa in più per colpire il visitatore; è eminentemente didattico: invita a uscire fuori dello stretto spazio della tela stimolando apertamente la riflessione; la sua tecnica realista esprime contenuti simbolici che sono veri e propri suggerimenti al visitatore. La fusione di segni di arti come la cinematografia, la fotografia e la pittura aiutano la mente a entrare nella materia viva del quadro. Le forme interrotte spingono la mente oltre la fisicità della rappresentazione, quasi a completare l’opera dell’artista, costruendo, in tal modo, un colloquio che ha come humus proprio il dipinto.

Le suggestioni della pittura di Durante, a ben vedere, toccano realmente i cinque sensi: l’acqua diviene corposa e sembra quasi prendere consistenza, un bicchiere in frantumi evoca il rumore secco della frattura, la luce di una candela si espande oltre la sua stessa fisicità, i corpi avvinghiati lasciano intendere gli umori di un abbraccio, una bottiglia semivuota richiama sentori nascosti.

Le nature morte di Durante sono più che vive, i corpi si eternano, il passato si lega al presente, il futuro è in un fiore già sbocciato. Il nero incombente racconta l’esilità dell’esistenza umana, il bisogno di ricerca di un’intimità universale in cui possano coesistere i dubbi e le certezze, il chiaro e lo scuro, acqua e luce, la vita oltre ogni forma.

Aniello D’Iorio

Tracce visibili dell’esistenza

4 ottobre 2013

“Ma poi che importa? È minima la

parte di ciascuno e splendido il poema”

Mario Luzi

dal Viaggio terreno e celeste di Simone Martini

Le pitture di Damiano Durante qui esposte inducono non in una ma in molteplici tentazioni, la più forte delle quali è sicuramente l’esigenza di definire, circoscrivendola, l’esperienza figurativa e tecnica dell’autore, dato il felice ritorno, per noi, certo non per lui, alla visione di un figurativo tout court, cui il nostro occhio non sembra più avvezzo. E poiché tutti siamo cedevoli alle tentazioni, finiamo con l’arrenderci alla più seducente delle lusinghe che ci spinge, con ostentato coraggio e orgogliosa competenza a dire che Durante è un pittore certamente simbolista; altri invece si lasceranno lusingare dall’evidente realismo che vede il mondo in modo fotografico e diranno persuasi: Durante è un nuovo maestro del naturalismo realistico, anzi un iperrealista senza nessuna ombra di dubbio! E la disputa nella tentazione potrebbe anche protrarsi a lungo, raggiungendo il culmine della temerarietà con l’individuazione nelle Nature Morte del nostro giovane maestro, di evidenti tracce di un mondo profondo, notturno, oscuro, rivelatore di quel subconscio così caro ai surrealisti…

Tutte interessanti e accattivanti, le nostre tentazioni di fronte alla pittura di Damiano Durante, ma nulla a che vedere, a mio giudizio, con la logica dello sguardo e la nuova ontologia della visione che vengono fuori dalle sue opere, e che staccano tutto il suo operato figurativo da ogni possibile definizione, pur comprendendo nel suo vissuto le esperienze storiche della tradizione figurativa europea. Egli propone nei suoi quadri un “ritorno alle cose” (Husserl) del mondo, di quel mondo di cui la conoscenza e la pittura sempre parlano, coi rispettivi linguaggi, così come la geografia parla del territorio; la pittura è per Durante il luogo con cui si accede all’esperienza dell’Essere e da cui, per magia o per divina visitazione si dipanano una scia di analogie, di riferimenti simbolici, di rimandi interiori che tornano in superficie, sotto varie forme, chiamate dal nulla e prendenti la forma ora di un bicchiere, ora di una bottiglia, di una candela accesa, di uno strumento musicale, di un arbusto vegetale, di un dettaglio anatomico, di un viso, di uno sguardo, di un fiore, di un getto d’acqua, di un frammento di statua, di un tavolo piuttosto che una sedia, tutti elementi della realtà di cui il pittore intende svelarne i misteri latenti, le segrete anime, i legami più o meno profondi che li uniscono a noi.

Certo la pittura di Durante è inquietante, nelle sue forme lucide e vigilanti che presuppongo un pensiero altrettanto lucido e desto, ed è forte un certo senso di straniamento che si avverte durante la visione; sembra quasi di riascoltare le parole di Isidore Ducasse, il Conte di Lautremont che ridefiniva l’esperienza del bello come il risultato dell’incontro fortuito “di un ombrello e di una macchina da cucire su un tavolo operatorio”. Ma l’esito finale della pittura di Durante è radicalmente diverso dallo spaesamento surreale come di quello metafisico. Nella sua pittura si manifesta quell’unità tra soggetto e oggetto di cui si parla anche in tanta buona filosofia contemporanea, laddove i nostri occhi portano alla luce l’esperienza del proprio Essere nell’unità fra sé e le cose del mondo. Ed ecco allora che le Nature Morte rinascono a vita nuova e gli oggetti ritratti ci restituiscono sguardi acuti e penetranti, anzi sembrano quasi loro a guardarci per primi. Si apre così una “dimensione umana della visione” (Merleau-Ponty) in cui ciò che vedo con i miei occhi è ciò che vivo all’interno della mia esperienza, un’esperienza contemporaneamente individuale e collettiva, immediatamente e per sempre riconoscibile. E difatti in questi quadri esiste uno spazio delle cose e delle azioni che spesso è negato in tanta arte contemporanea.

Durante è assistito da una tecnica straordinaria e da una conoscenza intima, confidenziale, coniugale direi con la pittura. Egli si serve della tecnica come uno strumento privilegiato per analizzare la realtà nei suoi aspetti più segreti e, solo apparentemente, più evidenti, ricercando con metodo sempre nuovi effetti poetici e lirici che ci sconvolgono, ci turbano, mettendo in scena oggetti tratti dalla realtà. Immagini chiare e nitide che tuttavia evocano un profondo senso del misterioso e dell’infinito, che richiamano anche il lessico cinematografico del miglior Kieslowski della trilogia dei tre colori.

Ma il mistero tanto evocato dalla sua pittura qui diventa improvviso rischiaramento, si tratta del mistero dell’immagine che, come diceva San Giovanni Damasceno, non è semplice replica della realtà ma è realtà interiore che diventa carne, nel vissuto di un’esperienza, per tutti e per ciascuno, del miracolo dell’esistenza.

Solo così ci diventa chiara la riflessione artistica di Damiano Durante che non si sofferma in queste Nature Morte sul’aspetto mimetico della pittura, cosa in fondo banale e riduttiva, certamente non riproponibile oggi; egli va ben oltre, indaga l’eternamente rischioso rapporto tra la realtà e la sua immagine dipinta, tra il mondo in cui viviamo e la nostra rappresentazione, tra le cose e le forme dipinte delle cose. La scommessa finale ha un’altissima posta in gioco, tant’è che non è tanto l’immagine creata a conformarsi al modello, ma il modello all’immagine, che non è replica di alcunché, ma è fonte di nuova vita, che pensa, che vive, che respira, che ama…

Alfonso Di Muro

Visible Traces of Existence

4 ottobre 2013

“…does it matter? It’s the minimal part of

everyone and splendid is the poem”

Mario Luzi

From “Earthly and heavenly’s travel” By Simone Martini

The paintings by Damiano Durante here displayed induce the most overwhelming need to define the figurative and technical experience of the author, our memories produce the visions of a figurative “tout court” to which our eye are no longer accustomed.

And since we are all apt to give in to temptation, we and by yielding to the seductive delusion which allures us to conclude that Durante is truly a symbolistic painter. Others are deceived by the evident realism which represent the world in a photographic way: Durante is a new master of realistic naturalism, even a hyperrealist without a doubt!

The argument of this sensation could reach a certain daring in still life with identification of our young master; of evident traces of a lower world, night, time, darkness; that which reveals the subconscience so dear to a surrealists…

The feelings we experience when finding ourselves before a painting by Damiano Durante are interesting and captivating. In my opinion nothing can compare with the logic of sight and the new ontology of vision that immerges from his paintings, and removes all his figurative works from any possible definition.

We do however, comprehend his experience in historical European figurative tradition. His paintings suggest a “return to wordly things” (Husserl), in that world in which the conscience and painting always speak with their respective languages, as well as the painting reflect the same language , just a geography speaks of territories. A painting, for Durante, is the means by which one reaches the experience of being. Either by magic or by devine visitation, one unravels a trail of analogies; symbolic and interior references which resurface in various forms. These may takes the form of a glass, a bottle, a lit candle, a musical instrument, a plant or an anatomical detail, of face, a expression, a flower, a jet of water, a fragment of a statue, or a table rather than a chair, all these are elements of reality which the artist use to reveal hidden mysteries, secret souls, and the ties which bind them to us.

Durante’s paintings are certainly “disturbing” in their distinct forms, they require equally distinct and conscious thought along with a strong sense of estrangement one can feel in viewing his works; one can almost hear the words of Isidore Ducasse, that Count of Lautremont who defined the experience of beauty as the result of “a meeting between an umbrella and a sewing machine on an operating table”, but the final result of a Durante painting is very different from the surreal as it is from the metaphysical.

In his painting the unity between subject and object can be found also in contemporary philosophy, where our eyes bring to light the experience of our actual being, in unity between ourselves and things of the world. And so Still Lives produces new life, and the objects portrayed reflect penetrating messages. A “human dimension of vision” is reached (Merleau-Ponty) all that I see with my eyes is alive in my experience, which is, at the same time individual and collective, and forever experience recognizable. In fact in these paintings things and action are present which are often missing in contemporary art.

Durante is aided by an extraordinary technique and an intimate knowledge of his paintings subject. He uses his technique like a privileged instrument to analyse the reality of the most secret and more evident aspect of his works. By using objects of reality he is searching for new poetic and lyrical effects which can move us.

These clear images evoke a profound sense of mystery and infinity, which recall the great film of Kieslowski, the trilogy “the three colours”.

But the mystery so evoked by his painting becomes sudden enlightenment, as St. Giovanni Damasceno said – it is not a simple reproduction of reality but is a question of the mystery of the image and interior reality, which becomes a living the experience for one and all; the miracle of existence.

Only in this way does the artistic reflection of Damiano Durante become clear. It does not dwell on an imitative aspect of still life, but goes much further. He is forever investigating the fine connection between reality and his painted image, from the world in which we live to our representations, from actual things to the forms painted of things.

It is not so much the image created to conform to the model, but the model to conform to the image. It is not the replica of somethings, but a source of new life which thinks, lives, breaths, loves…